NUEVA CITA PARA VISITAR LA COLECCIÓN MASAVEU

   Os dejamos nuestra nueva cita con el arte y la cultura.
   ¡Estaremos esperándoos!

FEB232014

LA PIEZA DEL MES EN EL MUSEO DE ARTES DECORATIVAS DE MADRID

Esta mañana me he acercado al Museo De Artes Decorativas de Madrid, un impresionante espacio situado en la Calle Montalbán, una de las zonas más señoriales de la capital.

En 1912 se  creó el Museo Nacional de Artes Industriales, que en 1927 recibiría el nombre  definitivo  de  Museo  Nacional  de  Artes  Decorativas.  Se  pretendía  con  él fomentar la cultura artística y técnica en el público, en los artistas y en los fabricantes,
mediante  la  exposición  de  ejemplos  que  mostrasen  el  alto  grado  de  perfección alcanzado por las manufacturas, de las cuales hay una completa representación en las salas del museo.

Una forma diferente de atesorar y mostrar el entorno del individuo, tan cambiante a lo largo del tiempo, a través de  mobiliario, vajillas, tejidos, estancias, alfombras, platería y joyería. En esta nos detendremos en particular con este post, al hilo de la pieza del mes que se nos ofrece en sus vitrinas: un ahogador del siglo XVIII de plata, topacios, esmeraldas y strass.

Ahogador a tour du cou , tipo de collar que termina en asas por las que introducir unas cintas de seda que hacen posible el ajuste al cuello.

De sobra es de todos conocido que el fenómeno del lujo es un fenómeno íntimamente ligado al status social del individuo. Las joyas han sido, desde que el mundo es mundo un signo palpable de nuestra identidad. Familias enteras se arruinaron por adquirir y poseer estos objetos, que eran señal inequívoca de prestigio, y a partir de las cuales se abrían o cerraban las puertas de negocios, asociaciones provechosas, y alianzas de las más variada índole.

Hasta el siglo XVIII, del cual procede el ahogador que contemplamos, los diamantes procedían mayoritariamente de la India, y entraban en Europa a través de Amberes y Venecia. Allí se concentraba todo el mercado, del cual Francia en el XVIII tenía el monopolio. No hablaremos en esta ocasión de los diamantes africanos, cuyo descubrimiento y posterior boom se produjo en el siglo XIX.

Uno de los seis diamantes indios de Dresden.

En aquel momento comenzaron las primeras falsificaciones. La posibilidad de engañar mediante el aspecto exterior, confundiéndose las clases sociales, fue un problema a mediados del XVIII para gobiernos absolutistas, que se vieron obligados a controlar estas confusiones. Plebeyos que intentaban competir con la nobleza, buscando similar forma de adornarse.

Se instauran las leyes suntuarias, que limitaban el consumo de productos de lujo, tratando de evitar el ascenso de la burguesía a un lujo reservado a la aristocracia. Pero la democratización de la moda, como de todo,  era imparable.

Aparece el strass, un tipo de vidrio similar al diamante, realizado por el alsaciano George Frederic Strass, que abrió su propio negocio en 1730, y se dedicó por completo a la elaboración de diamantes de imitación, a través de mezclas de bismuto y talio . Debido a sus grandes logros, fue galardonado con el título de “El joyero del Rey” en 1734.

Bello broche de strass. Difícil distinguirlo de uno de diamantes.

En ese momento surge la figura del petimetre (del francés petit maître, pequeño señor), calificativo usado por la población española para denominar aquellos jóvenes que se apuntaban a la moda de cursar estudios en el extranjero, aprovechando los viajes a otros países facilitados por la política aperturista de Carlos III.

Estos jóvenes de familias adineradas utilizaban su estancia fuera para adquirir nuevos conocimientos, copiar nuevas modas, modos y costumbres que trajeron a España. Entre ellas la modalidad de joyería desmontable: una tiara podía convertirse en broche, separando las tres partes que la componían.

Característica común a todas ellas era su brillo, nacidas al albur del siglo de las luces y la ilustración dieciochesco. Los retratos de época son un testimonio valiosísimo de esto.

Las joyas de imitación se usarán también como concepto de adorno. Aparece la contradictoria popularización del lujo, y la necesidad de configurar la identidad a través de la apariencia.

Curiosa toda la historia de la joyería,

Páginas 4 a 7 boletín ARTEALINSTANTE ENERO 2014

VISITA AL MUSEO DEL TRAJE

Esta mañana hemos realizado una maravillosa visita al Museo del Traje Madrid en fantástica compañía. ¿Os habéis quedado con las ganas? En tres semanas repetimos. Ya os informaremos por aquí.
¿Queréis venir? Dejad un mensaje en ancescultural@gmail.com. ¡Os informaremos de todo!
A continuación os dejamos la crónica-¡con fotos- de la visita de hoy.

“PERFUMADOS” POR LA INDUMENTARIA DEL MUSEO DEL TRAJE

Esta mañana hemos tenido la suerte de disfrutar de una maravillosa “vuelta al pasado” a través de la fastuosa indumentaria que llevaban nuestros antecesores, y que el Museo del Traje nos brinda de una manera excepcional a través de una cuidadísima selección de piezas conservadas con especiales medidas de iluminación y humedad.

La visita abarca desde el XVIII a la actualidad, aunque hay algunos ejemplos de la indumentaria del siglo XVI.  Nuestra visita se ha convertido en una mágica película en la que imaginamos a esos caballeros rococós relamidos, con casaca, chupa y calzón de raso,  decorados profusamente por accesorios como botones de oro y bordados, acentuando las caderas en la confección de la casaca, vamos, que eran tan presumidos como las mujeres, en ocasiones más.  A su lado en esta época la mujer vestía con casaca de cintura de avispa( para conseguirla llevaban debajo la “cotilla” o armazón de ballenas). Para cerrar la casaca existía el llamado “peto” que era un fragmento de tela de forma triangular que se llevaba debajo de la casaca. En esta época eran decorados de flores, haciendo que se asemejaran a un jardín. La basquiña, o falda,  estaba abullonada por el guardainfante de debajo.

Peto del Siglo XVIII

Ya en la segunda mitad del XVIII se evoluciona en el caso masculino hacia una chupa más sencilla y corta, y en el femenino hacia tres tipos de vestidos: el “vestido bata” de influencia francesa, del que partía por detrás un enorme pliegue del escote, que remataba en larga cola, la polonesa, vestido recogido por detrás, sin pliegue, más cómodo, o el vestido a la inglesa, o “vestido vaquero” de líneas más suaves. Era la época en que Carlos III regala al pueblo de Madrid el Paseo de Recoletos, al que acudían ricamente engalanados, a ver, y sobre todo a ser vistos.

Estos excesos del ropaje, completados por chinelas y zapatos, además de mitones, calzas o medias de seda, y “ridículos” (que era como se conocía a los bolsos que venían de Francia)fueron ampliamente transformados,al igual que la sociedad tras la Revolución Francesa, que impone la libertad incluso en la vestimenta, eliminando radicalmente todo tipo de guardainfante interno. Llegaba el siglo XIX y con él, el llamado “vestido camisa”, de muselina, vaporoso, con corte debajo del pecho, emulando las vestimentas grecorromanas, fuente en la que el neoclasicismo se inspiró. ¿Recordáis las vestimentas de las películas de Jane Austen? Así iban las mujeres

A la izquierda, vestido camisa femenino. A la derecha, vestido de “majo”

El majismo se impuso en España. Era la vestimenta de las clases populares, que incluso gozó de las preferencias de la reina Isabel II que vestía como ellos en ocasiones, y de la que se conserva un traje así. ¿Su nota predominante? La redecilla que llevaban recogiéndose el pelo.

Redecilla en un cuadro de Goya.

La época romántica coincide con la publicación de las primeras revistas de moda en España, a través de las cuales se conocían las últimas novedades.

La calle se convierte en un ámbito apropiado de exhibición, y las tiendas en un espectáculo apetecible. Se comienzan a realizar los paseos a pie para los que era primordial la comodidad.  Vuelve el miriñaque para dotar el vestido de empaque, y el corsé. Se empiezan a popularizar los vestidos de calle, para los cuales se procedía al proceso de teñir tanto la trama como la urdimbre, para conseguir esos estampados listados, cuadrados, o con estampados pequeños. Son los “tejidos de novedad”.

¿Como accesorios para salir a pasear? Sombrero, capotas, guantes y sombrillas.

Para la noche se requería otra etiqueta. Luces velas y espejos incidían en las mujeres, haciendo que brillaran con luz propia. Era el momento de llevar amplios escotes, con encajes y cintas, además de galones de seda que realzaban la belleza femenina.

Por encima: capelinas, manguitos y pellizas, para combatir el frío.

A fines del XIX el polisón recoge el testigo del miriñaque. Realiza un papel primordial en la silueta femenina.. Es una estructura de alambres, volantes almidonados o ballenas cosidas a una enagua sujeta a la cintura. Ahueca la falda por detrás. La realización del vestido se encarece y complica, dicen con sorna que hace que la mujer parezca un buque al caminar, y convierte al hombre en una pequeña embarcación, navegando por detrás.. ¿El modista estrella? Charles Worth, creador del término “alta costura”

El tiempo de una dama se destinaba a hacer y recibir visitas. Se sujetaba a un manual de comportamiento, cada una tenía unos días establecidos para ser visitada y visitar. Hay grandes influencias del modernismo en esa época. El ama de cría cobra importancia, hasta el punto de que “cada nuevo diente, al ama un pendiente” curioso, ¿Verdad?

Vestidos del ama de cría…y sus joyas.

La llegada del Siglo XX provoca un nuevo cambio, las faldas pierden volumen, y se introducen en ella las formas sinuosas. Se ven ejemplos de cómo el encorsetamiento interior ha llegado a provocar problemas físicos a las mujeres, y se muestran los maravillosos “deshabillés” Y la prenda que revolucionó la moda hace 60 años: el sujetador.

Impresionante la estructura modernista de la Chocolateria del Indio traída tras su cierre al museo. La vida al exterior se populariza, tanto como la moda de los viajes, con sus baúles y sombrereras…la ropa se deja de ajustar a pecho y cintura…y realza la importancia de las piernas, Schiapparelli es un ejemplo.

Chocolatería del Indio.

Obras de arte los modelos de Fortuny, con su invención del plisado y sus técnicas de teñir tejidos, Lanvin, Balenciaga o Pertegaz…auténticos artistas de la aguja…y terminamos desfilando por una pasarela con Agatha Ruiz De la Prada, Miriam Ocáriz, o Ailanto…¿Un 10 para este Museo!

La pasarela final. Un brillante remate.

PRÓXIMAS ACTIVIDADES

BOLETÍN ARTEALINSTANTE Nº2 PÁGINA 2-3

BOLETÍN ARTEALINSTANTE Nº2 PÁGINA 1

ACTIVIDADES DE ENERO 2014

SESIONES DE ENERO

Horario de mañana

Horario de mañana

Horario de tarde

ESTAS SON LAS SESIONES DEL MES DE ENERO 2014. SI QUIERES MÁS INFORMACIÓN O INSCRIBIRTE NO DUDES EN ESCRIBIRNOS A ancescultural@gmail.com  

ACTIVIDADES 2014

OCHO DÍAS PARA NAVIDAD

CASA//ARTE 2013

Reproducimos la entrada del blog de nuestro colaborador Nacho Perlado (http://arteolmos.blogspot.com.es/) sobre la Feria de arte contemporáneo en la galería de cristal del Palacio de Cibeles. Puedes ver más imágenes en nuestro blog de fotos de TUMBLR  http://ancesgc.tumblr.com/

Desde hace unos meses estaba siguiendo el inicio de esta Feria, que comenzó ayer en la Galería de Cristal del Palacio de Cibeles. Presenté un trabajo como artista "emergente" con pocas esperanzas de ser seleccionado pero con la esperanza de poder asistir a la feria como así ha sido.

En la feria están representadas 40 galerías, de las cuáles 22 son madrileñas, y cuatro editoriales (al igual que en Feriarte y Almoneda, este sector acude, principalmente a ARCO y a ver que pasa este año).

Es una feria para coleccionistas. En otras entradas he citado las palabras de la coleccionista Helga de Alvear, "si una obra me enamora la compro", pues bien, si una obra me enamora no la compro porque no puedo pero la "compro" en mi memoria, la guardo entre mis recuerdos, por lo menos durante un tiempo.

Además de la feria tienen lugar una serie de conferencias. Fui a la primera en la sala capilla del Palacio Cibeles de la que escribiré más adelante. Muy interesante. Al terminar, nos invitaron a visitar la feria. Bueno, no se si fue una invitación, pero todos fueron y yo fui detrás...

Estas son las obras que guardaré durante un tiempo en mi memoria, las que me han llevado a tomar nota, contemplarlas, intentar entenderlas y en algún caso, hablar con el autor -Vicente F. Cervera- que estaba presente. Considero esta una de las ventajas de estas ferias y que deberían de promocionar. Me pasó en Almoneda con Blanca Abajo.

No siguen ningún orden de preferencia ni de localización en la feria. En los links podéis entrar en las webs de las galerías o artistas.

1. Galería La Zúa. Madrid. Stand 04. Presentaba las obras del pintor valenciano Vicente F. Cervera, que estaba atendiendo el stand en ese momento. Colores planos, composición horizontal, abstracción geométrica, estructura, materiales mezclados. En un golpe de vista me gustaron las dos obras que dejo a continuación:

Lienzo 131. Vicente F. Cervera. 1800€

Vicente F. Cervera. 1000€

2. Espacio Foto. Madrid. Stand 09. Presentaba varias fotografías. Hace unas semanas había leído que exponían las fotografías de la actriz Jessica Lange se exponían en Madrid. Llevaron algunas a la Feria. No quise hacer ninguna foto para buscar en la web. La que aparece a continuación es de la web. Tiene mucha fuerza, la mirada de la niña, la presión sobre la culebra, las luces y sombreas de rostro, el brillo y movimiento del pelo. Me gustó. Son cosas que ve.

Jessica Lange. Unseen. 

3. Y sigo con la fotografía. Una galería asturiana, c6artgallery, ha traído unas impactantes fotografías de Irene Cruz y esculturas más sorprendentes de Laura Medina, que combinan la escultura con la pintura, el vídeo y son casi una instalación. Estas últimas me han gustado, porque se parecen a un proyecto artístico que tenía en la cabeza. Felicidades Laura, original, vivo, familiar, tan familiar "como en casa".

Además en el stand, me ha parecido buena idea acercar el coleccionismo a todos los públicos, vendiendo fotografías, seriadas, a 10, 15 o 20€.

La fotos que pongo a continuación es una de las que más me gustaron. Podéis ver más en la web de Irene y una entrevista. Lo mismo ocurre con las esculturas. "Como en casa 01" y "Como en casa 02" son las que más me han sorprendido.

4. Uno de los primeros stands que visité, y en el que me atendieron muy bien, fue el de Michael Dunev Art Projects de Girona. De lejos vi un lienzo con colores vivos, sencillo y llamativo a la vez. Me acerqué y me explicaron que era de Joaquín Chancho. Un pintor que había sido profesor universitario y que en su trayectoria profesional ha tenido muchos alumnos. De nuevo en su obra reducir al máximo las formas, color, geometría, relieve...

5. Muy cerca del cuadro de Chancho vi una fotografía que dejé para la segunda vuelta. Se trata de la imagen de Lena Lenina en El Lago de los Cisnes de Andrea Santolaya, expuesta en el stand deMondo Galeria (Mg) de Madrid.

No me resisto a poner la imagen que he encontrado en la web, pues mi foto con la pequeña cámara deja mucho que desear...

Untitled #8. Santiago Ydañez. 9600€.

6. Nada más entrar uno se encuentra con esta pintura de la Galería Invaliden1 de Berlín. Es comenzar con un toque internacional. La galería presenta obras de Santiago Ydañez, esta es una de ellas. Su obra tiene mucha fuerza, con dos colores blanco y negro, refleja el mundo interior de sus retratados. El brillo del pelo, la expresión de sorpresa inocente del que descubre algo nuevo, los brillos que provocan luces y sombras, el tamaño del lienzo...

Sin duda un acierto poner esta obra como comienzo de la feria. Una imagen vale más que mil palabras y el rostro sorprendido del niño (el cuadro se llama Untitled #8) refleja la cara que el visitante pone al entrar en la feria.

7. Desde hace muchos años (¿1987?) conozco la obra de Javier de Juan, por eso ha sido otra sorpresa encontrar en la galería Photosai de Toledo algunas obras suyas. No pregunté el precio, pero me gustaría saberlo, ¿alguien lo sabe?.

8. Por último, en la Galería a-cuadros de Madrid, estuve un buen rato hablando, pues las sorpresas siempre llevan su tiempo y aquí la sorpresa fue la escultura de Marina Anaya y las pinturas de Iñaki Lazkoz.
No digo más tan sólo ved estas imágenes. Recuerdo que espero COMENTARIOS Y OPINIONES.

FERIA ALMONEDA 2013

Reproducimos la entrada del blog de nuestro colaborador Nacho Perlado (http://arteolmos.blogspot.com.es/) sobre la Feria Almoneda 2013. Puedes ver más imágenes en nuestro blog de fotos de TUMBLR  http://ancesgc.tumblr.com/

Esta mañana he visitado la feria Almoneda. Es una feria pequeña, representada por pocas galerías y tiendas de antigüedades.

Llevo unos años visitando ferias en Madrid, ARCO, Feriarte, Stampa,… y este es el primer año que visito Almoneda. Mi impresión es que estas ferias cada vez han ido a menos. Cuando llegué a Madrid desde Gran Canaria, el 2006, escuchaba y leía que, con la crisis lo único que se compraba era obras de arte. Me sorprendió la edición de Feriarte 2007, con dos pabellones, muchas galerías representadas y mucha "vida".

Hoy, casi en 2014, puedo decir que la situación que me he encontrado es completamente distinta. Feriarte, tenía tan sólo un pabellón y ahora Almoneda ocupa sólo parte del pabellón 1 de IFEMA.

Pero estas líneas buscan encontrar algo positivo. Que el mercado esta mal ya lo sabemos, por lo que voy a mostrar a continuación lo que me ha gustado. Me centro sobre todo en pintura, pero también añado alguna fotografía de otros objetos que me han gustado. Espero vuestras COMENTARIOS.

Para empezar me han llamado la atención dos cosas. En primer lugar, la cantidad de obras de Carlos Nadal que han traído las galerías de Barcelona. En la galería de Anna Ruiz, me decían que también se han sorprendido, “parece que es el año de Nadal”. Además, como en Feriarte, abundan las obras de Duran Camps (muy bonita la que tenía Anna Ruiz, con marco incluido) y de Grau Sala. Dicen que este último se vende muy bien en Madrid.

1. Galería Aroya. Zaragoza (pero la tarjeta que me dan es de la Galería Mayoral de Barcelona). Ha sido el primer stand que me he encontrado. En la primera vuelta, he seleccionado un cuadro de Miquel Barceló. La Taula de 1982. Me han gustado sus formas, colores y sobre todo los materiales con las que está compuesta. 

Pero en la segunda vuelta a la feria, me volví a topar con este stand y ya decidido pregunté por la obra del autor que en la primera vuelta me llamó la atención. El autor es Magí Puig y sus obras (ahora puedo ver más porque me regalaron el catálogo) figurativas, coloridas y con una composición parecida al comic, tienen algo diferente al resto de obras que he visto en la feria. Adrián, de la galería Mayoral, me dice que ellos han apostado por este autor. Pues ¡suerte!. Os dejo los dos cuadros que más me han gustado. El primero lleva por título Tierra.

2. En el stand de la ya citada Anna Ruiz, además de comentar la cantidad de obras de Nadal, hablamos del cuadro de Rafael Durán Camps, Cadaqués. Me contó que el marco es original de Durán Camps y por eso en la fotografía se puede ver también el marco. La composición en cuatro planos distintos, la sencillez de las figuras, los colores del cielo, el agua y la tierra, son los aspectos que más me han llamado la atención; y como no, el marco de madera. El precio del cuadro es 2800€.

 3. Guillermo Urquijo es un anticuario de Bilbao que me cuenta que ya está casi jubilado y sólo acude a las ferias. Hace años tuve la oportunidad de asistir a algunas sesiones teóricas y prácticas sobre iconografía de Santa Ana, con Alfonso de Salas doctor por la Sorbona y funcionario de la Comisión Europea en Estrasburgo. Alfonso, en mi opinión, es una de las personas que más saben en Europa sobre Santa Ana. Defendió su tesis sobre iconográfica y posteriormente ha continuado trabajando. De manera más divulgativa, escribió una novela policíaca y de misterio publicada en España por Styra con el título de El círculo deAnnaberg. Pues bien, esta introducción es para presentar la imagen que Guillermo tenía en su stand. Es muy habitual en la iconografía de Santa Ana que aparezca con la Virgen y el Niño en brazos. Me dice que debe ser del XVI y que está muy repintada; por eso su precio es de 3500€, negociables. Pero lo que me llama la atención es la pintura que aparece detrás. Es un paisaje sobre lienzo de Agustín Hernández. Me pareció de Benjamín Palencia o los paisajes de Erich de Navarra. Y claro, es que Agustín es un pintor de la Escuela de Madrid. El cuadro es muy oscuro, pero me explica que se debe al estado en que se encuentra. Lo adquirió de una familia de fumadores. Lo tenían en un salón en que se fumaba mucho y el humo ha estropeado el color. Si se limpia mejora. Su precio 2000€.

4. Otra galería de Barcelona, la de Jordi Pascual, tiene la obra de Nadal que más me ha gustado, Atelier de Coco. Me recuerda a las obras “fauves” de Mattise, sus colores salvajes, planos, vivos; la composición; la pincelada; la línea; el aspecto abocetado,…su precio 10.000€.

5. Lorenart es una galería de Madrid, con un stand grande, pero ¿por qué la única información que dan es el nombre? He preguntado por la obra de Luis Feito, aunque las que me gustaban eran de Menchu Gal. Su precio es 9000€.

6. De Barcelona también ha venido la galería Fernando Pinós. Tenían un centro de sobremesa con figura femenina en estuco policromado, sin firma, pero de principios de siglo y con un claro estilo modernista. Me ha gustado y aquí os dejo la imagen. Su precio 1800€. 

  

7. He comentado que muchos de los stands en Feriarte y ahora en Almoneda tienen obras de Grau Sala. Que comentan, las casas catalanas, que se vende muy bien en las ferias de Madrid. ¿Por qué? El color, los personajes, la pincelada,… De las que he visto he seleccionado Apress le Course de la Galería de Arte David Cervelló de Barcelona. Su precio 12.000€. 

 8. En la Ribera de Curtidores de Madrid se encuentran muchas tiendas de antigüedades. En una de ellas he preguntado por esta obra y no han sabido darme apenas razones. También por unos cuadros que parecían del XVII, pero no se, no se…

Este pequeño retablo, me decían que era del XIX y que su precio era de 9000€.

9. Pequeños detalles simpáticos de decoración que he fotografiado. Un Chester precioso con estas simpáticas marionetas en Candelabro de Madrid. Y estos dos bustos femeninos de Dior.

10. Y por último, dejo para el final la sorpresa que me he llevado en el stand de una artista. Blanca Abajo. Ella misma pudo explicarme como realiza sus obras, con “retazos” de la naturaleza, ramas, hojas, raíces,…como logra obtener esos colores terrosos, herrumbrosos, plateados; la utilización del formato vertical, y como ella, la artista, se sorprende cuando deja secar el cuadro y al volver descubre esos colores, la influencia de la cultura oriental, su viaje a Japón...

Blanca no tiene web, pero os dejo un link donde se pueden ver algunas obras suyas y la fotografía de los cuadros que más me han gustado, se titulan Ki y Ajisai y su precio es de 1100€ cada uno.